大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于科技创新成果作品绘画的问题，于是小编就整理了2个相关介绍科技创新成果作品绘画的解答，让我们一起看看吧。
我是郭子，我来谈谈个人观点，如果赞同我的看法记得点赞，评论，转发，收藏。绘画大师作品的创新性，开拓性，你能理解吗？我认为我能理解，任何能称得上绘画大师的艺术家，其作品一定有其个人创新性和独特性。
一，什么样的艺术创作者才能称大师
个人认为艺术工作者有以下几个层次。
画匠，以谋生为目的，主要以复制别人作品为生，这样的人没有创新性和开拓性，完全是艺术的寄生虫。
画家，不以谋生为目的，主要是以创作作品为主，但是受他人或者历史上各种流派画风影响较深，没有个人新的艺术理念和艺术修养，但是能画出被一部分人欣赏接受的艺术作品。
大师，不以谋生为目的，有自己的艺术风格和理念，不为世俗折腰，不为金钱折腰，有很强的表达欲望，作品对美术史和艺术理论有较深的影响。
二，什么样的作品才叫有创新性，开拓性？
能挑战一个时期人们审美理念，并且创造出新的艺术表现手法和表现形式的艺术家作品，才叫有创新性和开拓性。并不是画的与众不同就叫创新性和开拓性。代表大师及时作品
达维特，新古典主义风格的创新，作品拿破仑加冕。
达芬奇，艺术理念的创新，作品蒙娜丽莎。
能理解，画家很多，各人风格却大不同，绘画是中华文化的传承，除了传承，还要在原来基础上不断创新拓展，吸收新知识，完善不足部分，即青，取之于篮，而胜于蓝，达到更高境界，娄师从师齐白石，除了把齐白石的画风传承下来，还在此基础上开创拓展了新知识，除了齐白石的虾，娄师画的鸭子更是活灵活灵活现，特别是鸭子的小翘臀，太好看了，这就是开拓创新。芥子园画谱的每个画家，各有特色，他们把原来的画谱，适当加以润色，因为古时候，画画的额料很少，色彩不丰富，多用黑白灰来表示，经过各位画家们拓展整理后，芥子园画谱大放异彩，名扬四海，把五千年的文传承下去，并不断发扬光大，才是正确的。
我非常理解绘画大师作品中对艺术创新的重要性。绘画的生命力就在于艺术家的不断创新与开拓，否则绘画艺术就得不到发展而失去了它应有的魅力。曾经有善于思考和批判精神的画家对《芥子园画谱》有过批评的声音，他们认为《画谱》是中国画入门级别的教程，如果画者长期依赖《画谱》进行绘画，是无休止地循环往复，毕竟《画谱》具有很强的程式化特点，画家只有将《画谱》的技巧投射到大自然中去写生才能突破《画谱》的局限，开拓出中国画的新世界。被称为“人民的艺术家”齐白石的成功经验就是他超越了《画谱》给予他的帮助，完成了从画匠到大师的华丽转身。他突破了传统花鸟画的题材局限，不再受制于梅兰竹菊“四君子”的牵绊，而将自己的艺术题材扩展到曾经与他乡下成长经历中的动植物的身上，他将鲜活的小昆虫（蝈蝈、蝉、螳螂、河虾等）的进行艺术化的呈现，使他的作品充满了童趣；他还画田里的农产品（南瓜、白菜、萝卜等）使他花鸟画非常接地气，正因为如此，他的水墨花鸟画才深受人民群众的喜爱。
我们说，艺术家常有，而艺术大师不常有。艺术大师之所以被称作艺术大师，是因为其不仅有出类拔萃的艺术才能和修养，而且有开拓创新甚至是承前启后独树一帜开宗立派的艺术成就和建树。
欧洲文艺复兴旗帜性人物达芬奇不仅创作了旷世经典《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》等优秀作品，树立了古典主义写实油画典范，而且提出了“素描是油画的基础”的重要理论，将人体学解剖学透视学原理运用于油画创作实践，确立了油画构图中的“黄金分割线”等，对后来油画艺术发展产生了重大而深远的影响，成为世人敬仰无可争议的一代宗师。
威尼斯画派重要代表提香一生创作颇丰，《圣母升天记》、《田园合奏》、《天上的爱和世俗的爱》、《乌尔比诺的维纳斯》等成为传世的经典名画，提香被誉为威尼斯画派的集大成者。但提香对油画艺术的贡献还不止这些，他在油画色彩运用上更是有着非凡的建树。提香善于用深褐色的颜色作底色，然后用更重的颜色在这底色上面竞争，给画面营造出一种庄重、厚实、大气的氛围。同时，提香比以往艺术家更加注重油画背景的构建，通过丰富绚丽的色彩刻画出深沉美妙的背景，烘托主题更加明亮突出。人们说，“提香是用遍了威尼斯水城全套色系的艺术大师”。
巴洛克绘画艺术重要代表鲁本斯画技卓绝，年轻时曾在意大利学习游历6年，逐一临摹了达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香等前辈艺术大师的油画作品，但他师古而不泥古，在借鉴先人创作技法的基础上，独立思考，大胆创新，将巴洛克艺术引入油画创作中，开十七世纪油画艺术之先河，人们称他是“敢于第一个吃螃蟹的人”。
历数古今中外的艺术大师，哪一个不是在艺术创作上勇于开拓创新的典范，他们的作品各具风格，各成一家，成果丰硕，建树非凡，成为人们宝贵的精神食粮，成为艺术史上的绚丽瑰宝，对艺术发展产生了积极的影响。
“好看的皮囊千篇一律，有趣的灵魂百里挑一”，用这句话来形容艺术里的现象，最为恰当了，不管是艺术作品，还是艺术家都适合用这句话来形容，也就是说，出众的艺术家很少，杰出的艺术作品也很少，问题来了：绘画大师作品的创新性、开拓性，你能理解吗？
绘画大师作品的创新性、开拓性的意义价值
若说在古代，或者距离我们100年前的那个时代，绘画大师算是比比皆是，然而到了现在，连艺术家都成为一种奢望了，更不用说艺术大师了，究竟什么原因让“艺术大师”从此“灭绝”，说来话就长了，那就暂且不多做解释了，我们只谈那些真正的绘画大师及其作品，
我们要这样去理解，艺术家对于自己的艺术创作，是有很明确的个人目的的，说高大上一点，就是为艺术而艺术，毕竟艺术是需要继承和传承的，同时也要迎合时代和人们的审美，而每个时代的人们的审美观念也是有所不同的，那么，绘画大师作品的创新性、开拓性的意义价值就是为了迎合时代和人们的审美，
艺术不创新是不行的，不开拓也是不行的，对于绘画艺术来说，它是视觉艺术，避免人们的视觉审美疲劳，必须要进行开拓创性，当然了，是在继承文化底蕴的基础上进行风格创新，就比如，西方油画艺术，每一种流派风格的油画，都是继承“写实”文化基础上进行创新的，
当然了，绘画大师作品的创新性、开拓性，是艺术家得以“名利双收”的一种艺术手段，为什么这么说呢？其实道理很简单，每一种流派风格都有一个或几个“开宗立派”的艺术家，他们是属于“第一个吃螃蟹”的人，委婉的说是艺术的先知先觉者，自然他们就可以名利双收了，然而，艺术流派风格是有“保质期”的，过了保质期之后，人们就审美疲劳了，后世的艺术家为了生存下去，不得已再进行开拓创新，又一次“开宗立派”，至于有没有人买单，就看时代的造化了，艺术创作，不进则退！但𣎴是毫无章法的天马行空的进行开拓创新。
简单来说，绘画大师作品的创新性和开拓性，是画家塑造个人风格的一种过程。在这个过程中，一是要学习前辈原有的经验和技巧，以此来提升自己的水平，这是对继承方面的延续。
但仅仅继承还不够，还要依靠自己融会贯通他人的长处和优点，寻求技巧层面上的突破，这种突破就是一种创新和开拓。只有这样，才能增加自己作品的竞争力。
在绘画艺术上，创新性和开拓性的作用要远远大于继承性，如果只有继承而没有创新，画家们相互之间你模仿我的，我模仿你的，陈陈相因的话，先不说画家会不会厌倦自己的创作，最起码，欣赏者会对千篇一律的作品感到审美疲劳。因此，不创新和开拓，画家的路会越走越窄，整个艺术生命力也会止步不前。
许多创新和开拓都是在前人的基础上一点一滴寻求变化的，变化幅度都比较小，这样的话，就容易让观者接受。如果变得太猛烈，如同从地上飞到了天上，观者就很难接受这样的巨变。
为了照顾观者的情绪，艺术家在创新和开拓时，都会小心翼翼，生怕观者不接受他的风格大变。通常情况下，会先在一些细节上做适当调整，比如说，会在构图、色彩、笔法上做一些变化，画出跟原作有差别的作品，这就是一种创新。
像西方名画《维纳斯的诞生》，最早创作这幅画的是文艺复兴时期的油画大师波提切利，他在这幅作品中采用了中心式构图，把维纳斯放置在两个女神中间，以显示维纳斯是主角。在波提切利之后，提香、鲁本斯、布歇、安格尔、布格罗、卡巴内尔等著名油画家都创作过这个题材，但在构图上，每个画家都不一样，有S型构图，有对称式构图，有把维纳斯画成侧卧的，有画成站立的，有把维纳斯画成忧郁表情的，也有把维纳斯画成欢快表情的，每个画家画出了不同的维纳斯，这是画家对这个艺术形象的独特理解。
如果让我选的话，我会首推梵高
有一期陈丹青的节目《局部》，给出的标题很有意思，是说艺考生技术秒杀梵高？但其实内容是赞赏梵高的艺术造诣。从技法上来说，我们印象中的技法高还停留在古典艺术的范畴内，就像这一幅大卫的《苏格拉底之死》。
技法是真高，形如雕塑般的人物，精妙的光影变化，主题的深沉和哲思，从这个角度来说，梵高的画作就像是淘气的学生在涂鸦了。
下面的两幅就是梵高的作品《麦田里的乌鸦》（1890）和《去往塔拉斯空的画家》（1888）
技法高吗？婆说婆有理，公说公有理，但毫无疑问的是，这很梵高，而这样的梵高独一无二。我自己最喜欢梵高，是因为他用色彩的律动留住了时间。音乐和色彩的相关性，很多艺术家和艺术评论家都有涉猎，但是只有梵高，他似乎把世间万物的音乐般的律动和和谐表达了出来。
我们常说，余音绕梁，音乐怎么绕梁，是通过大气介质的虽然我们看不见，但是一个发声的物体，就像是水纹一样向四周弹开。在大卫的那副《苏格拉底之死》中，色彩是死的，是定格在一瞬间的情节当中。
到此，以上就是小编对于科技创新成果作品绘画的问题就介绍到这了，希望介绍关于科技创新成果作品绘画的2点解答对大家有用。
